The space between us è un gran bel film diretto da Peter Chelsom, che vede la partecipazione di Gary Oldman, Carla Gugino, Asa Butterfield e Britt Robertson. Com’è subito evidente, la trasposizione italiana del titolo, in qualche modo, è l’esatto opposto di quello originale. Quello che doveva essere lo “spazio tra noi” – e che, quindi, a rigor di logica, divide – è stato tradotto con “unisce”, cosa davvero curiosa e che approfondirò più avanti.

La storia in breve: Gardner Elliot è nato su Marte, da una giovane astronauta che lo ha partorito dopo essere partita per fondare la prima colonia marziana. Un errore, visto che nascere su Marte, con una gravità così diversa, significa non poter vivere sulla Terra a causa di una diversa conformazione ossea e di un cuore non adatto alla vita terrestre.

Ma, una volta cresciuto, Gardner riesce comunque a far ritorno sulla Terra, perché è lì che vuole essere, perché ha una foto di sua madre con un uomo che potrebbe essere suo padre e intende trovarlo. Così riesce a fuggire dalla custodia della Nasa e contatta l’unica persona che conosce sulla Terra, la coetanea Tulsa, con cui chattava da Marte. Piccolo particolare: lei non sa da dove lui venga, non conosce la sua storia e, ascoltando i suoi bizzarri racconti su Marte, la crede una balla. Ma poi tra i due scoccherà l’amore, tutti i nodi verranno al pettine e il viaggio di Gardner si trasformerà in una riscoperta di sé, della felicità, della bellezza delle cose semplici.

Di fronte a queste incredibili nuove esperienze, lo spazio – inteso come immensità – che divide Gardner da Tulsa diventa così improvvisamente piccolo, perché ciò che provano l’uno per l’altra li raccoglie, li lega insieme e li rende indivisibili. Forse per questo la traduzione non è poi così sbagliata, forse per questo lo spazio diviene protagonista, incarnando allo stesso tempo il villain di quest’avventura e il trait-d’union della vicenda. Lo spazio passa quindi dall’accezione di immensità a qualcosa di più astratto, e diviene sentimento, perché niente è in grado di azzerare le distanze come l’amore.

Se non l’aveste capito, Riddick non è che mi sia piaciuto molto. Parliamoci chiaro: Vin Diesel se la cava egregiamente con quella sua non-espressione, ma mi aspettavo un film coinvolgente, incapace di annoiare. Invece, per i primi venti minuti la poltrona diventa così comoda che quasi quasi ci si potrebbe addormentare. E quella voce narrante del nostro antieroe che commenta quanto gli è accaduto per coprire le scene silenziose – che forse sarebbero state più interessanti con una musica incalzante – è una vera tortura scorticaossa.

Poi arriva l’alieno iena-cane, fighissimo, che mi ha ricordato una certa creatura del mio libro di prossima uscita per Runa Editrice (non dico il titolo però!) e che ho preso subito in simpatia.

E poi, mostri qua e mostri là, e arrivano i mercenari. Idioti e spocchiosi quelli della prima astronave, cazzuti e integerrimi i secondi. Tra questi – apriti cielo – ecco spuntare Katee Sackhoff, la Starbuck (Scorpion nella versione italiana) di Battlestar Galactica, abbigliata e acconciata nello stesso modo, un autentico tuffo nel mare della tranquillità, come incontrare una vecchia amica che ti fa sentire a casa. Anche se poi tranquilla non è, visto che spacca ripetutamente il naso al disgraziato di turno, nella fattispecie un odioso Jordi Mollà.

La nota lieta del film è che fa da legante ai primi due episodi, finora rimasti scollegati fra loro (Pitch Black e The Chronicles of Riddick). Il finale, finalmente movimentato, lo diventa anche troppo e una o due scene oltre i limiti del tollerabile purtroppo ci sono (ad esempio quando uccide il mercenario che gli sta, per giusti motivi, sulle palle).

Insomma, le creature aliene spaccano abbastanza – gli altri – ma non lui, che ha imparato a conoscerle nei giorni precedenti e sa come combatterle. Anche qui, forse fin troppo bene. Riddick rischia di passare da antieroe cazzuto  a macchietta ammazzatutto.

Sicuramente un film che va visto, ma non è certo ai livelli di Pitch Black, a mio giudizio, fino a ora l’episodio migliore della trilogia.

Confesso di non avere una grande esperienza di letture di genere steampunk, sebbene mi intrighino sempre molto queste ambientazioni vittoriane colme di macchine e armi a vapore gigantesche e frastornanti.

Non avevo mai letto prima nulla dell’autore di questo Codex Gilgamesh, ma ho scoperto che Uberto Ceretoli aveva già pubblicato diverse cose, tra le quali due romanzi con la casa editrice Asengard.

Due premesse, quindi, che mi hanno spinto a osare e acquistare il libro.

Voglio iniziare col dire che mi è piaciuto. Ceretoli riesce a ricreare un’ambientazione particolareggiata ed evocativa al tempo stesso, pur utilizzando una quantità di termini desueti che, se da una parte rallenta e a volte ingolfa la lettura, dall’altra non può che calare il lettore ancor più in quel mondo alternativo che è riuscito a comporre, pezzo a pezzo. E l’impalcatura è salda, la documentazione che sta alla base delle nozioni fornite a chi legge è ben organizzata e a fine libro troviamo un’appendice con le fonti storiche e le forzature narrative messe in atto (cosa che un Dan Brown qualunque si guarderebbe bene dal fare, ingannandoci con le sue fantasiose -pur interessanti – congetture, spacciate per fatti storici assodati).

I personaggi calati sulla scena sono molti e, tra i nomi più importanti, ricordiamo quello di Leonardo Da Vinci (Dan Brown forse ne sarebbe lieto!), Cleopatra e Gilgamesh. Ma come non menzionare il folle Jumpin’ Jack e la gelida e letale Eudora, nonché il barone Victor Von Frankenstein, genio malvagio a cui si devono le resurrezioni di simili imperdibili personaggi.

La storia mi ha ricordato a tratti certe ambientazioni dei film di Indiana Jones, storie di archeologia e paranormale fuse insieme che sfociano nel mistico e nell’ultratecnologico. Il livello linguistico, come anticipato, è alto, forse eccessivo a volte, ma calza con l’epoca vittoriana e gli usi dei suoi abitanti. Spesso si ha l’impressione che alcune situazioni vengano reiterate un po’ troppo, qualche stonatura qua e là si nota, anche nei dialoghi e nelle battute fuori luogo, soprattutto dove l’azione è concitata, ma lasciatemi dire che sono aghi nel pagliaio.

La nota forse più dolente è, invece, non aver esplorato a fondo proprio i personaggi storici più importanti. Personalmente avrei tolto un po’ di scena a Jack in favore di Leonardo e della Regina Egizia. Da lettore, mi sarebbe piaciuto conoscerli meglio.

Nel complesso un buon libro che mi sento caldamente di consigliare.

Per me una cosa così “forte” non era prevedibile fino a qualche tempo fa. È davvero con orgoglio che vi presento – ma l’avrete già visto, anche se farò finta di no – l’ultimo numero del magazine di Nero Cafè, Knife 6, con all’interno uno Speciale dedicato a Dylan Dog.

La mia collezione, là nell’armadio, sta facendo tremare il mobile. Tutti i miei albi fremono per potersi unire a questo nuovo prodotto, cartaceo, dove spicca in copertina un Dylan disegnato dal bravissimo Marco Bianchini.

Sia chiaro, all’interno non c’è un fumetto di Dylan Dog – anche se un fumetto c’è ed è un bellissimo noir denominato Polvere, a firma Napolitano e Guardascione – ma lo speciale che vi troverete a leggere sarà, a modesto avviso di chi scrive, più che sufficiente a soddisfare la vostra insana voglia di sapere. Curiosità, sfaccettature dell’universo dylaniato vi aspettano tra le pagine del nuovo Knife. Marco Bianchini e Barbara Baraldi ci parleranno delle loro esperienze con l’indagatore dell’incubo.

Ma in questo numero non c’è solo Dylan. Troverete interessanti articoli e le interviste a Massimo Lugli e quel Mauro Saracino ora fondatore della Dunwich Edizioni. Per non parlare di un mio personale incontro-scontro con Vergy, un folle ex-militare nato dal genio creativo di Claudio Vergnani, che si è gentilmente prestato a comporre quello che definirei come un puzzle naturale.

 Insomma, scaricatelo e leggetelo, gratis. Oppure compratevi il cartaceo che, credetemi, ne vale sicuramente la pena.

Nonostante in rete non se ne parli bene – ma quando mai si sente parlar bene di un remake? – devo ammettere che vedere questo film è stata una gradevole sorpresa.

Sarà che una Kate Beckinsale così cattiva non si era mai vista; che il mondo rappresentato nel suo caotico ammassarsi in verticale a metà fra Blade Runner e Il Quinto Elemento mi ha riportato alla mente ambientazioni di cui avevo nostalgia; che il triangolo d’amore e odio Farrell-Beckinsale-Biel funziona (a mio parere) e tiene in piedi il film, molto più della trama vera e propria (ammettiamolo); che, infine, le scene d’inseguimento sono girate con maestria.

Sarà tutto quanto detto sopra, ma è me il film è proprio piaciuto.

Non rimpiango Schwarzenegger, né tanto meno Sharon Stone, né l’ambientazione marziana. Certo, quelli erano altri tempi e sicuramente il film di allora è più fedele al romanzo cui si ispira, ma questo Total Recall ha adrenalina da vendere. Colin Farrell risulta credibile – almeno per me – e la sua espressione da “oh cazzo, sono meglio di James Bond” mi pare azzeccata.

Peccato per il cameo troppo veloce di Bill Nighy, da cui mi aspettavo di più (non certo come performance ma come tempo sulla pellicola magari sì) e per il cattivo mancato – cos’era? un governatore? un cancelliere? un sindaco? boh… – ben rimpiazzato dalla spietata Kate, che riesce persino a oscurare Jessica Biel – che comunque si difende – in quanto a presenza scenica.

Certo, le pecche ci sono. A tratti si sente traballare la sceneggiatura, anche se molte battute sono azzeccate. Ma gli effetti e le mancanza di scene morte consente di non badare molto ai dettagli e godersi la “traversata” con una certa disinvoltura.

Due scene su tutte da ricordare, l’inseguimento iniziale a piedi nella città e quello in “ascensore”. Oddio, anche Kate che – seduta sul petto di Colin – lo prende a pugni come se stesse prendendo un caffè…

E ora beccatevi il trailer.